如何欣赏达维特的绘画作品《荷拉斯兄弟之誓》？：英雄联盟武器素描

大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于英雄联盟武器素描的问题，于是小编就整理了5个相关介绍英雄联盟武器素描的解答，让我们一起看看吧。

如何欣赏达维特的绘画作品《荷拉斯兄弟之誓》？

法国绘画大师达维特通常翻译成“大卫”，大卫是法国十八世纪至十九世纪早期的杰出画家，新古典主义画派的代表，因为跟洛可可画派大师布歇是亲戚，很早便开始学画。

《荷拉斯》是法国剧作家高乃依创作的一部悲剧作品，描写的是罗马城和阿尔贝城之间的战争，双方商定各派三位勇士以决斗的方式决定胜负，罗马城派出的是荷拉斯三兄弟，这三兄弟与对方代表是亲戚，为了国家利益大义灭亲，最后荷拉斯三兄弟获胜。

名为《荷拉斯三兄弟》的这幅油画作品是法国国王路易十六在1784年给大卫的订单。为了构思这幅作品，体验古罗马时代的生活，大卫用了十一个月的时间在罗马完成了这幅画。

画面的中央是高举宝剑的罗马王老荷拉斯，左边荷拉斯三兄弟举手迎接，三兄弟形象刻画坚实有力，而画面的右边是几个悲伤的女人和孩子。

画面中荷拉斯三兄弟神情激昂，表现出为了国家利益战死沙场的决心。画面中的背景是古罗马建筑，衬托出庄严而神圣的气氛。

展现悲壮爱国主题的划时代艺术巨作——赏析达维特的作品《荷拉斯兄弟之誓》

达维特的油画作品《荷拉斯兄弟之誓》是在1784年受法国国王路易十六的委托而创作的。作品取材于十七世纪法国剧作家高乃依的剧本，描绘了荷拉斯三兄弟在出征前接受父亲授予武器庄严宣誓的场面，是法国新古典主义最重要的划时代的代表作品。

——达维特作品《荷拉斯兄弟之誓》

一、悲壮的题材背景

相传，当年的罗马人和伊特鲁里亚的古利茨人经常发生战争，为了尽早结束这连续多年的征战，双方达成协议决定分别选出三位勇士来进行决斗，以最后的胜败来决定罗马城与阿尔贝城统治权的归属。

罗马选出了荷拉斯三兄弟，古利茨人则选择了居里亚斯三兄弟。不巧的是，这两个家族之间存在着婚姻关系，小荷拉斯之一的妻子是居里亚斯兄弟的姊妹。但即使如此，荷拉斯家族还是不顾女人们的反对而决定让三兄弟为了祖国去参加格斗。

出征前，荷拉斯三兄弟在接受父亲授予的武器时庄严宣誓：“不是胜利归来，就是战死沙场。”达维特描绘的正是这个悲壮的瞬间场景。

——达维特作品《告别的勒马科斯和尤嘉丽》

二、特有的“达维特式”的创作手法

达维特的这幅作品简洁而严谨，他根据直线透视法和大气透视法构成了画面空间，并在创作中坚持他一贯的“色彩的运用应以素描为依据”的绘画原则，表现出一种雄伟的、激动人心的感染力和纪念碑式的美。

画面上采用严谨稳定的三角形构图，达维特将均衡而又富有对比性的两组人物在画面上平行配置在三个拱门背景上，运用实墙、神秘的背景来突出强调画面重心，突出作品悲壮的主题，使得整个画面气氛庄严、神圣。

达维特还使用一些辅助的元素来强化画面效果，如古典式的柱廊、三兄弟的配饰等都突出了英雄化的人物特征；胳膊和腿部紧实的肌肉更是英雄化力量的表达，使人看到胜利的希望；女人们悲戚的神情，更加衬托出画面的悲壮气氛，折射出为国家利益不惜牺牲个人感情与存在的精神。所有这些辅助内容的描绘和刻画都形成了非常强烈的符号喻义，强化了作品中的主体形象和主题内涵。

作品中，达维特完全致力于自己的观念，强调画面气氛的渲染，在人物形象塑造上，用古典艺术的法则来表现现实生活中的物象，以古代雕塑为范本，使画面有着古典雕塑般的造型效果，更加给人一种心灵上的崇高、庄重的感受，呈现出肃穆严峻的美感，有着明显的达维特的个人艺术风格和创作手法。

——达维特作品《阿基里斯的愤怒》

结语

《荷拉斯兄弟之誓》是达维特表达自己对革命的憧憬，对英雄化的爱国行动充满敬意作的品，并借此传达了崇高的古罗马精神与爱国主义的内容——个人感情要服从国家的利益。此作品在罗马备受赞赏，并在1785年入选沙龙时再度赢得喝彩。

不同的视角，互通的视界，我是魔韵，欢迎同道互动关注交流。

美术速写统考用14B好还是炭笔好？

谢邀，其实这个问题很好解答，我看到有很多的回答都很靠谱，这要看你平时联系的时候用的是什么类型的笔了，平时用铅笔，那考试就用铅笔，平时用炭笔，那考试就用炭笔。（以下图片自 *** ，本人有幸参加过四川省美术联考的阅卷工作，现场情况与下图类似）

首先，不管你用什么材料去作画，唯一的目的就是让画面能在众多试卷中脱颖而出，为了达到这个目的，在我们平时学画过程中就需要对各种材料进行实验，熟悉并掌握，要找到最适合自己的工具和材料，永远是适合自己的才是更好的，有人说用铅笔，或者有人说用炭笔，那就说明此人在平时的创作或者联系中铅笔或者炭笔运用的更熟练，画出来的画面更有效果。不同的材料有不同的特性，就像铅笔可以让画面很通透，炭笔可以让画面更厚实，有体积，钢笔则可以使画面更具线条感，每一种材料都是很好的材料，关键是看你怎么运用它。

考试是检验你水平的途径之一，也是我们迈入大学门槛的必经之路，不容有任何闪失，所以，在平时学习中，之一要做的就是熟悉各种作画材料和工具，选择最适合自己的，并坚持使用，达到得心应手，考试拿道题目之后，利用我们所熟悉的工具和材料能够很快的并且保质的完成试卷才是最重要的，一定不要在考试前尝试使用新的材料或者工具，这样很有可能会由于对工具的不熟悉导致自己对工具特性的混淆，发挥不出自己应有的实力。

所以，不用纠结考试该用什么工具，考试该用我们熟悉的工具，本人也是联考过来的，并且不止考了一次，也复读了好几年，如果因为工具的问题导致最后的成绩不理想，那心里得多不是滋味啊，最后，望你每次考试都有个好成绩，祝你在以后的学习生活中顺顺利利！

以上均为个人经验总结，仅表示个人看法。

美术速写统考用14B，还是用碳笔，这个问题要根据个人习惯而定。

首先要说明的是，铅笔和碳笔作画的不同。铅笔从B开始，到2B、3B、4B……随着B前面数字的增大，铅笔越来越软，颜色越来越黑。而H、2H、3H、4H……型的铅笔，也是随着H前面的数字增大，铅笔越来越硬，颜色越来越浅。不论是B型铅笔，还是H型铅笔，相比较碳笔而言，笔触较轻，线条较流畅。

而碳笔作画，颜色较黑，笔触较重，线条较粗硬。14B和碳笔颜色深浅相比，差不了多少。

你平时大量练习速写，如果常用铅笔，更好考场也用铅笔；如果常用碳笔，更好考场也用碳笔。这样就不会造成在考场上因更换作画工具而手感不舒服。

最后祝你美术速写联考考出好成绩！

14B，真的没用过，俺们上学那时候更大型号就是6B，一般用2B或者4B，确实赶不上时代了，工具太多了，自己习惯用什么都好，看自己掌握的熟练程度，我喜欢用碳笔，炭精条更好用。确实要看自己喜欢用的工具效果。

中国画什么美，油画什么美，版画什么美，素描什么美？

谢谢“艺术狂人2”的邀请。

国画油画版画素描都属于绘画艺术范畴，但又是绘画体系中四个不同的画种。它们互有联系又相对独立，各有各的章法，各有各的特点，各有各的特色，各有各的美丽。

这里我就不对国画油画版画素描这四种绘画具体美在哪儿一一论述了，单就油画的美在这里表述一下个人的看法。

我们知道，油画发源于西方，是在十五世纪初由荷兰画家杨-梵-艾克研制成功的。是用易干的植物油调和颜色兑成颜料画在画布（墙面）上的一种绘画方式。油画的出现给当时正处于文艺复兴时期的欧洲绘画带来革命性变化。艺术家通过科学严谨唯美和谐的创作技法和表现手法使油画具有的造型与色彩上的特性和优势充分表现了出来，使油画很快成为人们喜闻乐见的视觉艺术，并逐步成为世界绘画的主流画种。

油画以人物人体油画居多。特别是写实油画，以形象逼真的造型，缤纷绚丽的色彩，明快柔和的画面，优雅静穆的气质受到广大绘画爱好者的喜爱。而油画中最为美丽妖娆耀眼夺目引人入胜的，当属人体艺术油画了。

达芬奇的《丽达与天鹅》、拉斐尔的《美惠三美神》、乔尔乔内的《入睡的维纳斯》、提香的《田园合奏》、鲁本斯的《爱之园》、伦勃朗的《达娜厄》、柯里尔的《马背上的葛瓦黛夫人》、安格尔的《大宫女》、雷诺阿的《大浴女》、布格罗的《维纳斯的诞生》、格维德的《雅典娜女神》等等等等，这些经典的人体艺术油画或婀娜纤巧，或典雅宁静，或丰姿绰约，或温婉柔情，或俊采飘逸，或大气凝重，或恬淡青纯，或风情万种，真个是千姿百态，鲜活灵动，惟妙惟肖，美仑美奂啊！

看着这些至真至美的人体艺术油画，人们不禁会产生一种心灵的涤荡和精神的愉悦。

谢谢你的提问和邀请。我可以用“性灵之美”来形容中国画。用“写实之美”来形容油画。用“装饰之美”来形容版画。用“自由之美”来形容素描。

中国画是一个特殊的画种，他的发源就没有彻底完成“写实”的历程，在即将进入写实主义绘画 *** 时，突然转向了抒发性灵之美的写意画。

这种性灵之美，既没有完全不要“似”，也没有追随“似”而绝似，而是在似与不似之间，寻找诗性的空灵和超脱的平衡，所以，中国画总是给人感觉很超脱的。

没有一个牛画的跟牛标本似的，也没有一个竹子画得跟植物标本一样，但是，中国画里的牛，那叫真牛，就是没有画水，你也会感觉到牛在水中。

没有画云，你也会感觉云山雾海的山水画，真的非常空灵非常超然，这是油画无法理解的。

但是，人人都能感觉到的艺术之美，都在画中了，这就是中国画性灵之美的神奇。

与中国画不一样的是油画。如果画一头水牛，没有画水，那是不可想象的。

油画凡是眼睛可以看到的都要画，这是与中国画很大不同的地方。

所以，油画的视觉感非常真实强烈。油画之所以有非常真实的视觉感，不仅仅是画家的功夫和天才的原因。

还因为有科学的技术支撑了画家的天才。这就是透视的发现。

由于透视的发现，画家可以把任何立体的感觉，转化为绘画的技法。而中国是没有这样准确的透视技法的。

有了透视这个绘画武器，油画的立体造型就无所不及，所以，眼睛能够看到的，油画都能像摄影那样把物象摄入画中。

当然，油画家也会有一定的取舍和概括的，否则，如果像照相那样画画，也会杂乱无章的。

绘画遵循的提炼与概括的规律，中国画和西洋画，都是不谋而合的。

但是，中国画是写意多一些，而油画写实多一些。

版画是中西共有的一种绘画。中国的版画应该更早一些，我国唐代就有非常精彩的版画了。但是，西方的版画后来居上。

无论中西版画，他们共有的特色就是单纯性和装饰性特别强。

版画是在木板或金属板上雕刻以后印刷出来的绘画作品。版画也是画，是用刀笔，或者钢笔绘画。

由于版画一般是单色的，所以，更加注重黑白对比和线条的装饰性趣味。

我觉得，版画就是具有装饰美的一种绘画。版画有木刻、铜版画、腐蚀版画，还有套色版画等等。

在纸媒时代，版画主要是插图的主角，符合印刷的廉价性和艺术装饰书籍的美感。

素描严格说，还不是完整的绘画作品，大多数素描是草稿。但是，优秀的素描草稿，也有独立的欣赏价值。

法国画家德拉克洛瓦的素描《肖邦》。

由于素描没有任何限制，精、粗、繁、简可以自由的去支配，所以，素描是最自由的绘画，就是涂鸦也有烂漫天真之趣。

很多大师画的素描，简直就是涂鸦。当然，素描也可以画的很深入很精细。

但是，像油画、中国画、版画都不能像涂鸦那样自由，只有素描可以。可见素描多么自由。

谢谢邀请，我喜爱美术，却并不太懂，无法做出专业的解读，但我知道欣赏什么是美，我只按我的理解去解读。

简单来说，中国画重写意，讲究留白，体现的是意境的美。

油画重写实，尤其古典画法，讲究光影的明暗变化，表现的是真实细腻的美。

版画需要有绘画基础，更需要雕刻的技巧，有单色和套色，表现的是一种朴素的美。

素描只有黑、白、灰三种简单的色彩，通过熟练的运用，展现的是立体的美。

你好亲，很开心回答你的问题

中国画，油画，版画，素描，表达美感的方式是丰富多彩的表现形式

由于每一个画种，由于其艺术特性不同，所以表达美感的方式是不同的

如油画的艺术特性是厚重的体积感，立体感，油画的传统根基是写实客观再现，所以油画采用写实，厚重的形式语言表达美感

西方美术史上，许多经典传世油画，如人体油画，画家采用女人体优雅的曲线姿势，典雅古典的色彩，表达画面高雅圣洁的美感。

但是对于国画而言，其艺术创作思想是表达一种精神上的意境，似与不似之间的意境，精神气韵

特别是对于写意油画而言

对于大写意国画而言，如画家梁楷的大写意泼墨人物画，国画家张大千的泼墨大写意山水，徐渭的大写意泼墨葡萄，追求水墨淋漓的意境，笔墨淋漓的精神气韵

所以对于大写意国画而言，由于注重画面的写意的，似与不似之间的意境，所以不是油画以写实再现手法表现美感

对于油画而言，油画的灵魂的色彩，印象派油画家，追求大自然色彩的丰富变幻

女画家闫平，画笔下的色彩艳丽夺目，但是不落俗气

对于国画而言，特别是文人画，水墨营造画面淡泊，宁静，脱俗的意境，并不是以艳丽的色彩表达美感的。

国画，追求素雅，淡泊的意境，色彩艳丽的国画，会落入俗套的行画气息。

对于版画而言，个人拙见，是通过黑白灰，点线面的节奏，直线，曲线的巧妙对比，表达画面的美感

比如比利时版画家麦绥莱勒的作品《女歌唱家》，画家采用曲线轮廓表达女歌唱家的娇态

夸张的，曲绕在一起的双臂的女歌唱家，单纯直线的台面背景，形成了强烈的黑白，曲直对比的形式美感

对于素描，由于素描是油画的地基，油画的绘画基本功底

所以素描如同油画一样，以写实的绘画形式语言表达美感

油画，提倡以面造型，塑造画面真实，立体的体积感

素描，同样是以块面造型，表达形体美感

但是，素描，虽然说油画的绘画功底，但是也不能说素描是专门为油画垫底的绘画基本功

素描，也是一门独立的艺术语言，风格

素描，一般说以块面造型，而文艺复兴时期，德国画家丢勒的素描语言，是以线条造型塑造画面的美感。

我是艺术狂人，从事少儿美术教育，如有美术，美术教育的疑问，欢迎私信

中国画，主要是线条美，笔墨韵味美，内涵美，整体美，包括用色，用笔，构图以及签字印章之美。油画之美在于色彩的丰富，艺术家对事物的认识的表现，更重要的是追求现实，和立体，当然，油画也有用笔。版画就是黑白灰点线面的运用及韵律之美，也就是印象美。素描就是通过画家观察最现实的写照，这种写照基本上是一种颜色，加上对光线的描绘。说的不一定对，大家多批评

克莱因的《枪》这幅作品该如何评价？

这幅1955年在纽约百老汇第103号街拍摄的《枪》，被公认为是威廉姆·克莱因全部作品中更具代表性的作品。当时克莱因才27岁。

最近这些年，中国有太多的摄影师喜欢拍孩子拿枪的画面，还有很多少数民族孩子拿枪的画面，让读者产生一种暴力下的隐喻。个人以为估计都是受克莱因这张照片的影响。

每个人拍照片其实都有他自己的想法在里面。

这张照片没有讲究画面，也没有太讲究构图。画面中手持枪械、面目凶狠的小孩的表情才是最关键的，虽然看上去是那么的年轻，枪口后面那副令人难忘的神色，反映出了美国年轻一代心目中的暴力倾向，预示着这个国家的社会问题。这也是克莱因当时对美国的感受。

“他只有11岁，却已经学会了一切狰狞。”克莱因回忆说：“当然，他手里拿的只是一把假枪，他正玩的也不过是美国孩子街头巷尾司空见怪的游戏。但在我看，这一瞬间早已不再是儿童的游戏。”　　

这幅作品很好的反映了克莱因独特的拍摄风格，那几乎抵着镜头的枪口，已经超出了成像的清晰范围，但夸张模糊的、黑洞洞枪口，直至观众的视线，令人发指，彷佛在这一刻，子弹已经出膛，射穿了我们的心房。　　

和其他人不同的是，克莱因拒绝自己在摄影上成熟和完美，不关心技术也不理会技巧，“我承认自己有一台莱卡相机，但是我并不知道如何正确使用它，也搞不懂拍摄时应该使用何种菲林、镜头和滤镜……。”“我最关心的是怎么样在底片上高出自己想要的影像，然后把它送到放大机里去。”　　　　

对于技术和技巧的一知半解，恰恰给了克莱因一个跳出摄影条框的机会，以一种“旁观者”的身份，自由自在游荡在摄影这番广阔天地里，从而把更多的注意力集中在摄影创作的理念和精神上，由此我们看到了他的和绘画相同的一面，那就是图像画面的本质——视觉符号所隐含的内在意义。　　　　

对于布勒松“决定性瞬间”理论不屑一顾的摄影师大有人在，克莱因就是其中的一位。

因此，一副好作品，不一定有很好的瞬间，很好的形式，但一定要有好的内容。内容的作用永远大于形式。

这幅照片在摄影史上非常有名，它是摄影大师威廉·克莱因1954年在纽约拍摄的，随1956年《纽约》画册出版。

打眼一看，很明显，这是一幅纪实摄影作品。纪实摄影其实是在讲故事，所以看照片和拍摄时要尽量重视内容和思考，要了解照片的拍摄时代和环境。

这幅1954年在纽约百老汇第103号街（Broadway and 103rd Street）拍摄的《枪》，被公认为是克莱因全部作品中更具代表性的作品。画面中手持枪械、面目凶狠的人，虽然看上去是那么的年轻，但给我们的感受却充满着暴力和仇恨。

“他只有11岁，却已经学会了一切狰狞。”克莱因回忆说：“当然，他手里拿的只是一把假枪，他正玩的也不过是美国孩子街头巷尾司空见怪的游戏。但在我看，这一瞬间早已不再是儿童的游戏。”

威廉·克莱因曾被认为是摄影历史上更具影响力的30位摄影家之一，他敢于冲破陈旧的摄影条框，反对任何权威的存在，在纪实摄影领域造就了属于自己的一番天地。在他的摄影作品中“有着其他人没有的粗暴，刺目，甚至不协调”（亚历山大·里波曼，纽约《时装》杂志美术指导），我们甚至找不到哪怕是一点的精致和优雅。

这幅作品很好的反映了克莱因独特的拍摄风格，那几乎抵着镜头的枪口，已经超出了成像的清晰范围，但夸张模糊的、黑洞洞枪口，直至观众的视线，令人发指，彷佛在这一刻，子弹已经出膛，射穿了我们的心房。 　　 　　

枪口后面那副令人难忘的神色，反映出了美国年轻一代心目中的暴力倾向，预示着这个国家的社会问题。克莱因就是在这种平常人不以为然的生活场景中，用“不这么成功”的摄影手法真实地再现了生活、并揭示了本质。 　　 　　

克莱因似乎从来没有为自己拍摄的画面颗粒太粗、成像发虚、构图不正、取景不全而担心过，相反，他在貌似这一切传统的教条中大刀阔斧地前进，为当时已达颠峰似无进展的纪实摄影开辟了一条新路。

克莱因的这种不拘一格、我行我素的风格主要受他的绘画导师——法国著名画家费尔南·莱热的影响。莱热是一位藐视老传统的创新一派画家，他认为过去的方式和经验都不能再适应新时代的要求了，因此他的作品完全抛弃了素描和色彩运用的规律，把毫不相干的事物主观地结合在一起。 　　 　　

在莱热的这种“无拘束精神”指导下，克莱因在创作精神上获得到很多的启示，他的作品开始在欧洲各地展出，同时为法国和意大利的许多建筑物绘制了抽象风格的壁画，他的摄影也就是在为这些壁画拍照存底中开始尝试应用的。由于拍摄这些装在转轴上的壁画需要转动，因此不经意中拍摄下了模糊不清的画面，面对这些旁人认为失败的照片，习惯于从影像画面中表现自我的克莱因却从中获得了新的灵感。 　　 　　

回到纽约后，摄影开始成为克莱因地主要创作手段，但是和其他人恰恰不同的是，他拒绝自己在摄影上成熟和完美，不关心技术也不理会技巧，“我承认自己有一台莱卡相机，但是我并不知道如何正确使用它，也搞不懂拍摄时应该使用何种菲林、镜头和滤镜……。”“我最关心的是怎么样在底片上高出自己想要的影像，然后把它送到放大机里去。” 　　 　　

对于技术和技巧的一知半解，恰恰给了克莱因一个跳出摄影条框的机会，以一种“旁观者”的身份，自由自在游荡在摄影这番广阔天地里，从而把更多的注意力集中在摄影创作的理念和精神上，由此我们看到了他的和绘画相同的一面，那就是图像画面的本质——视觉符号所隐含的内在意义。

对于布勒松“决定性瞬间”理论不屑一顾的摄影师大有人在，克莱因就是其中的一位。受到巴黎达达主义思想的影响，克莱因在创作中存在着“反艺术”的倾向，一切以自己表现的目地作为最终的追求，不顾是什么方式和手段。他的这种风格不仅在纪实摄影中，在他的时装摄影、电影中都有真实的展现。

可以分享一下你所知道的更具有传奇色彩的一位画家吗？

能让平头百姓都知道的古今绘画名家中，除了唐伯虎恐无第二人了。至今，唐伯虎三笑点秋香多次搬上影幕，其放浪才子形象就如神一般的存在！唐伯虎的江南之一才子名号及诗、书、画三绝不是传说，但点秋香的绯闻就是后人杜撰了。[呲牙][呲牙]真实的唐伯虎年少时就是学霸一个，轻松拿到之一解元“学历"后赴京考"公务员"，春风得意，志在必得，却因帮一富家子弟考试作敝毁掉前程。唐伯虎从此坎坎坷坷，后妻子早逝，唯一的独生女也走在他前头，苦生无所念，从此到处流浪…。唐伯虎结交祝枝山一班死党，放浪形骸，扮乞丐、逛妓院，翻墙偷桃不成，骗几个伙伴跟着跳进粪坑[捂脸][捂脸]，自得其乐。又常有花酒、美女相伴，笔下仕女图得以传神。以唐伯虎三绝名号，当时无论文人雅士、达官显贵，以得其大作为荣要。戏里有相爷与王爷为抢唐伯虎的画发镖投剑，打得鼻青脸肿的，也真把唐伯虎神化了[呲牙]。唐伯虎的书法诗词与画齐名，至今无人超越。顺手捻来一首:[祈祷][祈祷]一剪梅·雨打梨花深闭门

[作者] 唐寅[朝代] 明

雨打梨花深闭门，忘了青春，误了青春。 赏心乐事共谁论？花下销魂，月下销魂。 愁聚眉峰尽日颦，千点啼痕，万点啼痕。 晓看天色暮看云，行也思君，坐也思君。

您好，具有传奇色彩的画家有很多。我来分享一下齐白石的画。

齐白石（1864─1957），原名纯芝，字渭青，后改名璜，字濒生，号白石、白石山翁。湖南湘潭人。近现代中国画大师，世界文化名人。早年曾为木工，后以卖画为生，五十七岁后定居北京。擅画花鸟、虫鱼、山水、人物，衰年变法，笔墨雄浑滋润，色彩浓艳明快，造型简练生动，意境淳厚朴实。所作鱼虾虫蟹，天趣横生。其书工篆隶，取法秦汉碑版，行书饶古拙之趣，篆刻自成一家，亦能诗文。曾任中央美术学院名誉教授、中国美术家协会主席等职。代表作有《蛙声十里出山泉》、《墨虾》等。著有《白石诗草》、《白石老人自述》等。

齐白石的画，反对不切实际的空想，他经常注意花、鸟、虫、鱼的特点，揣摩它们的精神。他曾说：为万虫写照，为百鸟张神，要自己画出自己的面目。他的题句非常诙谐巧妙，他画的两只小鸡争夺一条小虫，题曰；“他日相呼”。一幅《棉花图》题曰：“花开天下暖，花落天下寒”。《不倒翁图》题“秋扇摇摇两面白，官袍楚楚通身黑。”

更具有传奇色彩的一位画家

每一位伟大的画家背后都有着一个传奇人生，因为他们的成功都不是轻而易举就得到的，而是要付出艰辛和努力，艺术天赋固然很重要，但艺术环境更为重要，好比，“天时、地利、人和”三者缺一不可，这其中存在很多不确定的因素，所以要成为一名具有传奇色彩的画家，比想象中的要难多了，

我个人认为，更具有传奇色彩的画家是意大利文艺复兴时期的天才画家米开朗基罗，之所以说米开朗基罗是最有传奇色彩的一位画家，因为他到达了艺术巅峰，“文艺复兴三杰”中，也只有米开朗基罗完成他的艺术使命，走向了艺术巅峰，他用艺术证明：精神和物质之间是一直存在斗争的，

米开朗基罗17岁时就因为创作一具古典式的浮雕而显现出他天才的一面，同时他在绘画和雕塑中不停的练习摸索，力图表现自己生命的内在力量，他在创作雕像时总是试图制服坚硬的顽石，从而表达一个不可抑制的艺术信息，然后，他又用雕塑的精力和手法来绘画，

米开朗基罗的构图技巧可从隐约可见的造型中看出来，这里有呼之欲出的生命，也有为摆脱物质的束缚而反抗，而争取解脱的一个个形象，米开朗基罗擅长在艺术思想和思想转变为人们能够认知的艺术形式间作出严格的区分，米开朗基罗的艺术作品告诉人们一个道理：没有说出口的东西可以比平淡地讲出来的东西更好地表达内心的冲突和 *** 。

米开朗基罗作品

在我心中，更具传奇色彩的画家是梵高。

梵高的经历很坎坷

他对艺术痴迷且执着

他饱尝了痛苦与折磨

一生的落魄

他没有爱情的收获

他变得发疯

竟然割掉了自己的右耳朵

他精神病经常地发作

经历着病痛的折磨

竟落得37岁走上自杀的结果

还有他的弟弟提奥

也不幸在半年后的

几乎是同一个日子里随他而去

因为从小喜欢画画，也最早的知道了梵高，二十多年前有缘买了一本《梵高传》，对梵高有了更深一步的了解，从此梵高更是成为了我追求绘画艺术的航标。2006年夏天，与画画的朋友共三人，到广西阳朔采风一个月时间，当时住在阳朔的徐悲鸿故居。也许是上苍安排吧，更有缘的是捡到一块像耳朵的石头，对这个石头我是爱不释手，我命名为《梵高的耳朵》。2010年从深圳来到苏州，慢慢地也喜欢上了奇石收藏，并一发不可收拾。

更具有传奇色彩的画家这个不好说，但是可以说一个比较具有传奇色彩的画家:保罗·高更。作为后形象派三杰之一的伟大画家，高更更为普通人所知可能还是因为毛姆的《月亮与六便士》，这部小说的男主角就是以高更为原型的。

高更有一个稳定体面的职业，有一个完整幸福的家庭，本可以过上令人羡慕的生活，顺利地过完这一生。但绘画的天赋扼住了高更的咽喉，把他引向一条孤独且充满荆棘的道路。他把自己奉献给了绘画，就无法尽到家庭责任和社会责任。家庭的破碎，无情地摧毁可怜的画家的心；社会的磨难，残酷地拍打可怜的画家的生命之舟。高更一方面承受着社会和家庭的压力，一方面忍受艺术失败的痛苦。物质和精神两方面的巨大压力未能扼杀高更对艺术的向往，更无法阻止高更追求更高艺术的步伐。

“天将降大任于斯人也”，我们用圣人的这句充满着励志的情怀的话来鼓舞自己的时候，未曾多想，斯人迎接大任之后紧接而来的考验往往不是我们能充分认识的。而且我们往往可以看到斯人完成大任之后已经被命运捉弄得遍体鳞伤了。高更为绘画这门艺术倾其所有，留下了许多流芳百世的艺术作品，也为自己赢得了身后莫大的荣誉。但是，晚年的高更忍受的磨难也是巨大的，艺术努力不被任可，他人的蔑视，贫困潦倒，失望，心灵受到巨大打击，自杀未遂，最后忍受巨大的病痛折磨而死。

不只是高更，高更的老相识，另一位伟大的画家梵高同样遭受这样的命运。艺术的天赋就像上帝同样派出的天使和魔鬼的结合体，一方面要榨干这种天分，另一方面也要榨干这承载天分的肉体。

哀哉，充满传奇的伟大灵魂！

到此，以上就是小编对于英雄联盟武器素描的问题就介绍到这了，希望介绍关于英雄联盟武器素描的5点解答对大家有用。